A designer's own apartment is transformed into a fashion showroom and onsite style consultation location offering an intimate atmosphere of artful inspiration and slow living practice, with the unique opportunity of 'getting to know' the woman behind the label in her very own home - a hidden refuge in the heart of Berlin. Molly McDonnell, the fashion designer behind and founder of Berlin based slow fashion Brand AVMM, has been living in Berlin and working here in the fashion industry for almost 13 years. Originally born in California, she moved to Berlin to discover and contribute to an exciting and creative city full of possibility. She originally offered her tailoring and design skills to friends and acquaintances directly out of her charming altbau apartment, in the coveted district of Prenzlauer Berg. Now, over a decade later, she is again opening those same doors to her artfully decorated home, as a dedicated showroom to her newly founded women's fashion and lifestyle brand AVMM, as well as offer there an intimate space for one on one style and design consultation. This new and unique shopping concept will allow customers to experience an intimate atmosphere where you can catch a glimpse of the designer's personal world and what inspires her: natural materials, slow living, minimalistic art and design. Customers can also view her personal art collection from local makers, an important part of her inspiration process and take refuge in her serene space. Customers are invited to feel the fabrics, try on the clothing, and hear directly from the designer herself how a local brand comes to life. Perhaps while sipping a tea on the balcony and taking in the view of the iconic TV tower with the Ringbahn going by just on the other side; feeling both hidden away from the city and connected to it at the very same time. While visiting this apartment turned showroom space customers can enjoy private styling tips from someone who has been in the industry for almost twenty years with the possibility of private design consultation and onsite alteration offerings. As part of Berlin fashion week, and with the support of Studio2Retail support, she and her team at AVMM will have an opening party event in this newly transformed living/atelier conversion space, a concept not yet seen in Berlin, and announce its exciting arrival to the Berlin fashion scene. < Back AVMM / Molly McDonnell www.avmm-store.com Beschreibung Label Beschreibung USP Referenzbeispiele PDF - falls vorhanden Medienreichweite Kategorie Store Event, Empfang, etc. (Preisgeld €2.000 – 6.000) Konzeptbeschreibung A designer's own apartment is transformed into a fashion showroom and onsite style consultation location offering an intimate atmosphere of artful inspiration and slow living practice, with the unique opportunity of 'getting to know' the woman behind the label in her very own home - a hidden refuge in the heart of Berlin. Molly McDonnell, the fashion designer behind and founder of Berlin based slow fashion Brand AVMM, has been living in Berlin and working here in the fashion industry for almost 13 years. Originally born in California, she moved to Berlin to discover and contribute to an exciting and creative city full of possibility. She originally offered her tailoring and design skills to friends and acquaintances directly out of her charming altbau apartment, in the coveted district of Prenzlauer Berg. Now, over a decade later, she is again opening those same doors to her artfully decorated home, as a dedicated showroom to her newly founded women's fashion and lifestyle brand AVMM, as well as offer there an intimate space for one on one style and design consultation. This new and unique shopping concept will allow customers to experience an intimate atmosphere where you can catch a glimpse of the designer's personal world and what inspires her: natural materials, slow living, minimalistic art and design. Customers can also view her personal art collection from local makers, an important part of her inspiration process and take refuge in her serene space. Customers are invited to feel the fabrics, try on the clothing, and hear directly from the designer herself how a local brand comes to life. Perhaps while sipping a tea on the balcony and taking in the view of the iconic TV tower with the Ringbahn going by just on the other side; feeling both hidden away from the city and connected to it at the very same time. While visiting this apartment turned showroom space customers can enjoy private styling tips from someone who has been in the industry for almost twenty years with the possibility of private design consultation and onsite alteration offerings. As part of Berlin fashion week, and with the support of Studio2Retail support, she and her team at AVMM will have an opening party event in this newly transformed living/atelier conversion space, a concept not yet seen in Berlin, and announce its exciting arrival to the Berlin fashion scene. Nachhaltigkeit / Innovation Introducing the concept of design consultation and custom tailoring, within a fashion brand, encourages customers to be more conscious of their consumption. By mindfully exploring what works best for individual body types, style preferences and lifestyles clients can learn to avoid impulse shopping and trend-based fast fashion buying. Offering alteration services enhances the life of a garment and offering custom design encourages deeper respect for and awareness of the production of clothing. Kostenstruktur If I am able to receive financial support from Studio Rental: Minor Apartment Renovations and Event Costs: For apartment renovation: -Newly sanded and oiled floors throughout Material plus labor – 900 euros -Curtain to hide Bed to provide changing room in the'bedroom' (material and labor) – 100 euros -Ikea Pax mirrored clothing wardrobe – 600 euros (to serve as changing mirror and to hide designers private clothing) -Hanging clothing rack installation – 150 euros Sewing Machine for onsite tailoring – 200 For event: Drinks and catering – 350 Sound system rental –50 Printed material for onsite promotion – 50 euros Hire video artist to promote event and location – 400 Dj for the event – 300 Total Costs - 3100 If I do not get the money I can still actualize this vision: Not renovating flooring – 0 euros Used mirrored wardrobe for “changing room” – 200 euros Hanging clothing rack installation – 150 euros Not having a sewing machine onsite and not offering onsite sewing services. Having drinks. but not food for the event – 150 Using my current sounds system – 0 euros. Do not hire video artist to promote event or have printed promotional material Do not hire a DJ for the event Total costs - 500 Findet Event unabhängig von Finanzierung statt? Ja Datum des Events

Berlin Digital Fashion Symphony wird eine neue Plattform die die sich schnell verändernde Landschaft der digitalen Mode und beleuchtet die vielfältigen künstlerischen Praktiken experimentellen und nicht-traditionellen Modedesignern wie Schirin Negahbani, Harriet Davey, Yifan Pu, Agusta Yr, PortraitXO, Ican Harem, Tianzhuo Chen & mehr. Die ständig wachsende Bedeutung der sozialen Medien, neue Mixed-Reality-Technologien und das Aufkommen hybriden digitalen Räumen wie dem sogenannten "Metaverse" haben einen neuen Raum geschaffen, in dem Modedesign und Identitäts- und Identitätskonstruktion neu überdacht und verhandelt werden können. Digitale Kleidungsstücke bieten radikal neue Möglichkeiten, sich der Mode zu nähern, Sie ermöglichen Muster, Stoffe und Designs, die in der die in der realen Welt unmöglich wären, sich aber als digitale Objekte nahtlos in unsere digitalen Realitäten ein. Sie lassen sich als AR-Filter überlagert werden oder, mit dem Aufkommen der Avatarkultur, außerhalb des etablierten Verständnisses von Körperformen und binären Geschlechtsidentitäten gedacht werden und diese in Frage stellen. Sie können mit den Nutzern von Plattform zu Plattform wandern, Plattform wechseln, sich von einer digitalen Identität zur anderen anpassen und neue Ökonomien anbieten, wie der Aufstieg von Blockchain ermöglichten NFT-Marktplätzen. Diese Veranstaltung wird das kleinere Pilotevent zu einem groß angelegten Folgeevent während der Berliner Fashion Week im September 2022 sein. Die Berliner Fashion Week wird ihre eigene Identität in der nationalen und globalen Szene haben, als ein neuer Raum, der sich durch seine lebendige und kreative Szene neu definiert und mutig mit neuen Genres und Erfahrungen voranschreitet. Die Berlin Fashion Symphony wird ein neuralgischer Bestandteil dieser Identität. Durch die Zusammenführung von Visionären, Künstlern, Designern, Architekten, Tech-Innovatoren, Musikern und Marken im Herzen Berlins kann eine neue Identität organisch Gestalt annehmen und ein internationales Publikum inspirieren, so dass Berlin im Jahr 2022 und darüber hinaus definitiv als Standort für kreative Unternehmen, Besucher und Investoren gewählt wird. Als Location wird das Kühlhaus in der Lückenwalder Straße in Berlin genutzt. < Back Berlin Fashion Noosphere by Quinto GmbH www.quinto.com Beschreibung Label Das Projekt ist eine Kollaboration zwischen Norma Quinto und Michail Stangl. Quinto leitete in New York fast 20 Jahre eine Firma für PR und Event-Produktion u.a. für Marc Jacobs, Sean John, Marlies Dekkers. In Deutschland gründete sie 2014 QUINTO und arbeitet seitdem für Top-Designer und Luxusmarken. Michail Stangl ist Kurator und Kulturstratege, Entwickler von ZORA, dem führenden Open-Source-Toolset für Web3- und NFT-Plattformen. Zudem ist er eine der progressive Kraft in der Underground-Szene. Beschreibung USP Berlin Digital Fashion Symphony wird die erste Plattform die die sich schnell verändernde Landschaft der digitalen Mode und beleuchtet die vielfältigen künstlerischen Praktiken experimentellen und nicht-traditionellen Modedesignern. Mit der Gründung dieser Plattform ist erstmals die Institutionalisierung einer Präsentations- und Austauschplattform für eines der disruptivsten Spektren an der Schnittstelle von Technologie und Mode. Referenzbeispiele PDF - falls vorhanden Berlin Digital Fashion Symphony producers Norma Quinto and Michail Stangl references for a 5+ digital fashion designers Medienreichweite Reichweite von 2001 - 2022 : ca. 50-80 Millionen Kategorie Offsite Show, Installation, Performance, etc. Konzeptbeschreibung Berlin Digital Fashion Symphony wird eine neue Plattform die die sich schnell verändernde Landschaft der digitalen Mode und beleuchtet die vielfältigen künstlerischen Praktiken experimentellen und nicht-traditionellen Modedesignern wie Schirin Negahbani, Harriet Davey, Yifan Pu, Agusta Yr, PortraitXO, Ican Harem, Tianzhuo Chen & mehr. Die ständig wachsende Bedeutung der sozialen Medien, neue Mixed-Reality-Technologien und das Aufkommen hybriden digitalen Räumen wie dem sogenannten "Metaverse" haben einen neuen Raum geschaffen, in dem Modedesign und Identitäts- und Identitätskonstruktion neu überdacht und verhandelt werden können. Digitale Kleidungsstücke bieten radikal neue Möglichkeiten, sich der Mode zu nähern, Sie ermöglichen Muster, Stoffe und Designs, die in der die in der realen Welt unmöglich wären, sich aber als digitale Objekte nahtlos in unsere digitalen Realitäten ein. Sie lassen sich als AR-Filter überlagert werden oder, mit dem Aufkommen der Avatarkultur, außerhalb des etablierten Verständnisses von Körperformen und binären Geschlechtsidentitäten gedacht werden und diese in Frage stellen. Sie können mit den Nutzern von Plattform zu Plattform wandern, Plattform wechseln, sich von einer digitalen Identität zur anderen anpassen und neue Ökonomien anbieten, wie der Aufstieg von Blockchain ermöglichten NFT-Marktplätzen. Diese Veranstaltung wird das kleinere Pilotevent zu einem groß angelegten Folgeevent während der Berliner Fashion Week im September 2022 sein. Die Berliner Fashion Week wird ihre eigene Identität in der nationalen und globalen Szene haben, als ein neuer Raum, der sich durch seine lebendige und kreative Szene neu definiert und mutig mit neuen Genres und Erfahrungen voranschreitet. Die Berlin Fashion Symphony wird ein neuralgischer Bestandteil dieser Identität. Durch die Zusammenführung von Visionären, Künstlern, Designern, Architekten, Tech-Innovatoren, Musikern und Marken im Herzen Berlins kann eine neue Identität organisch Gestalt annehmen und ein internationales Publikum inspirieren, so dass Berlin im Jahr 2022 und darüber hinaus definitiv als Standort für kreative Unternehmen, Besucher und Investoren gewählt wird. Als Location wird das Kühlhaus in der Lückenwalder Straße in Berlin genutzt. Nachhaltigkeit / Innovation Durch die Thematisierung digitaler Mode befasst sich die Berlin Digital Fashion Symphony auch mit dem ökologischen Fußabdruck der Modeindustrie im Allgemeinen, da ihre Produktionskosten erheblich niedriger sein können, wenn nicht sogar, insbesondere im Vergleich zu den verschwenderischen Produktionszyklen insbesondere der Fast Fashion. Die Institutionalisierung der ersten Plattform zu einem Innovationsthema wie Digital Fashion leistet einen wertvollen Beitrag zur innovativen Metropole Berlin. Kostenstruktur Venue 2.000€ Tech Equipment Rental 5.500€ Digital Designers Fees 1.000€ Production 3.000€ Advertising 1.500€ PR 2.500€ Hygiene concept 1.000€ Security + staff 2.000€ Misc. 1.500€ Total 20.000€ Findet Event unabhängig von Finanzierung statt? Nein Datum des Events Mar 17, 2022

Die starke Verbindung zwischen Mystik und übernatürlichen Wahrnehmungen, alten Fetischismus-Symbolen wird die Grundlage der Installation sein. Dabei bleibt alles etwas verschwommen, neblig und schwer fassbar. Der Ort: Eine dunkler Raum. An die Decke und die Wänden werden riesige, sich bewegende Schlangen projiziert, die sich in ihren farbigen Windungen durch den ganzen Raum schlängeln. An den Wänden werden sechs Spiegel angebracht, jeder vor einem anderen, um das Gefühl der Desorientierung und des pulsierenden, beängstigenden Raums zu verstärken. Farbige grelle Lichter werden hier und da Schritte und Figuren auf dem Boden, Spiegel und Schlangenfinger hervorheben, unter einem tief vibrierenden Techno-Sound. Überall im Raum werden Kleidungsstücke aufgehängt, die von der Decke herabhängen. Einige wenige weiße Strahlen werden sie beleuchten, damit das Publikum ihre Erscheinung wie eine Reihe alter übernatürlicher Identitäten wahrnehmen kann. So hauchen wir mit der Kollektion unserer organischen Verbindungen zur Natur wieder Leben ein: Gewundene Wurzeln von Pilzen werden wie auf einem psychedelische Trip von Schamanen zu Farben gemischt und erblühen in einem optischen Druck, der mit Formen spielt, mit dem Körper atmet und sich mit ihm verändert. Bänder und Ausschnitte sind Metaphern für die pulsierende Sinnlichkeit der Schlange, die gewundene Instabilität der Kleidung wird zur Darstellung der irdischen Veränderlichkeit und der übernatürlichen Flüchtigkeit. Wir knüpfen an alte peruanischen Priester an, die in öffentlichen Zeremonien vor riesigen Schlangen-Figuren ihre übernatürliche Macht zeigten und die irdischen Wahrnehmungen mit Hilfe von psychedelischen Drogen überwinden. Eine Schlange ist damit kein gefährliches Tier mehr, sondern ein gütiger Gott, der in der tiefen Unterwelt lebt und friedlich mit der Erde koexistiert. In unserer Myzel-artigen Darstellung von Dunkelheit und Licht, Kontrollierbarkeit und Unkontrollierbarkeit, Leben und Tod entsteht Sinnliches und Paranormales. < Back Maqu www.bymaqu.com Beschreibung Label Zeitlos minimalistisch – natürlich nachhaltig. Bei Maqu werden Klassik und Moderne verwoben. Die Klarheit der Schnitte stellt die Trägerin in den Vordergrund und überrascht mit eleganten und praktischen Details. Wir entwickelt Innovationen aus Traditionen. Maqu startete in der Kunstszene von Lima/Peru und begann 2016 in Berlin mit der ersten Kollektion. Die Zielgruppe ist offenherzig wie international, liebt sich und das Leben. Beschreibung USP Maqu entwickelte eine Kollektion, mit der Frauen zu anspruchsvollen Diven erhoben werden - ohne Angst, ihren Körper zu zeigen und in eine tausendjährige Reise einzutauchen, indem sie Accessoires tragen, die eine alte Geschichte und eine tiefe Verbindung mit der Gegenwart darstellen. Mystik und Suggestion, Materialismus und Spiritualismus, Vergangenheit und Gegenwart sind ein wichtiger Bestandteil der peruanischen Kultur und der Inspiration von Maqu. Referenzbeispiele PDF - falls vorhanden https://www.bymaqu.com/press-1 https://www.youtube.com/watch?v=BGFWlNPN3DA&t=15s Medienreichweite 10000 Kategorie Offsite Show, Installation, Performance, etc. Konzeptbeschreibung Die starke Verbindung zwischen Mystik und übernatürlichen Wahrnehmungen, alten Fetischismus-Symbolen wird die Grundlage der Installation sein. Dabei bleibt alles etwas verschwommen, neblig und schwer fassbar. Der Ort: Eine dunkler Raum. An die Decke und die Wänden werden riesige, sich bewegende Schlangen projiziert, die sich in ihren farbigen Windungen durch den ganzen Raum schlängeln. An den Wänden werden sechs Spiegel angebracht, jeder vor einem anderen, um das Gefühl der Desorientierung und des pulsierenden, beängstigenden Raums zu verstärken. Farbige grelle Lichter werden hier und da Schritte und Figuren auf dem Boden, Spiegel und Schlangenfinger hervorheben, unter einem tief vibrierenden Techno-Sound. Überall im Raum werden Kleidungsstücke aufgehängt, die von der Decke herabhängen. Einige wenige weiße Strahlen werden sie beleuchten, damit das Publikum ihre Erscheinung wie eine Reihe alter übernatürlicher Identitäten wahrnehmen kann. So hauchen wir mit der Kollektion unserer organischen Verbindungen zur Natur wieder Leben ein: Gewundene Wurzeln von Pilzen werden wie auf einem psychedelische Trip von Schamanen zu Farben gemischt und erblühen in einem optischen Druck, der mit Formen spielt, mit dem Körper atmet und sich mit ihm verändert. Bänder und Ausschnitte sind Metaphern für die pulsierende Sinnlichkeit der Schlange, die gewundene Instabilität der Kleidung wird zur Darstellung der irdischen Veränderlichkeit und der übernatürlichen Flüchtigkeit. Wir knüpfen an alte peruanischen Priester an, die in öffentlichen Zeremonien vor riesigen Schlangen-Figuren ihre übernatürliche Macht zeigten und die irdischen Wahrnehmungen mit Hilfe von psychedelischen Drogen überwinden. Eine Schlange ist damit kein gefährliches Tier mehr, sondern ein gütiger Gott, der in der tiefen Unterwelt lebt und friedlich mit der Erde koexistiert. In unserer Myzel-artigen Darstellung von Dunkelheit und Licht, Kontrollierbarkeit und Unkontrollierbarkeit, Leben und Tod entsteht Sinnliches und Paranormales. Nachhaltigkeit / Innovation Nachhaltigkeit und Innovation bedingen sich und werden sinnlich erfahrbar, in dem wir die innige Verbindung von uns mit der Welt darstellen. Intensiv wird verdeutlicht: Die Natur selbst offenbart uns Innovationen und wir können sie weiterentwickeln. Die Kräfte des Lebens führen wir in den Designs zusammen und machen sie fühlbar in fantastischen Stoffen. Bei Materialien und Methoden mixen wir Tradition & Moderne – maximal ökologisch und fair. Kostenstruktur Material/Ausstattung 360€. Licht und Elektrik: 1250€ DJ: 200€ Miete in Mitte bis jetzt 3 Tage á 600€: 1800€ (Wenn wir noch etwas günstigeres finden auch zwei Tage mehr.) PR: 250€ Extras: 250€ ______________________ 4110€ Die Finanzierung ist nur mit dem Preisgeld möglich. Findet Event unabhängig von Finanzierung statt? Nein Datum des Events Mar 17, 2022

Nach unserem Fokus auf Körper und Selbstbestimmung möchten wir unserer Leidenschaft für performative Kleidung in einem tieferen Sinne nachgehen und unser Publikum auf eine reflektierende Reise durch Bewegung und Kunst einladen. Während der Fashion Week wollen wir unser gesamtes Atelier für Besucher öffnen, um einen exklusiven Blick hinter die Kulissen zu ermöglichen und Mode, Kunst und Live-Performances zu zeigen. Die "zeitgenössische Ausstellung" in unserem Studio zielt darauf ab, unsere gegenwärtige Präsenz, die vom Zustand der unbekannten Zukunft beeinflusst wird, neu zu gestalten, indem wir unseren täglichen Designansatz in etwas Abstrakteres, Rohes, Bewegendes und Inszeniertes verwandeln. Etwas, das uns zu den Wurzeln von UY Studio zurückbringt - Mode, die dafür gemacht ist, sich selbst zu umarmen und die Performance einzugehen. Indem wir nicht nur unseren Showroom sondern das gesamte Studio öffnen, wollen wir den Besuchern die Möglichkeit geben, hinter die Kulissen zu blicken und in 4D zu erleben, wie wir unser Design mit anderen künstlerischen Sprachen wie Musik, Design, Architektur und Wohnkultur verbinden. < Back UY Studio uy-studio.com Beschreibung Label Das 2014 gegründete Berliner Modelabel und Kunstkollektiv UY entwirft Kleidungsstücke zur Unterstützung der Individualität. Diese Befreiung ist der Kern unserer Überzeugungen-egal, ob wir über Geschlecht, Sexualität, Rasse, Ethnizität, Herkunft, Größe, Alter oder Unkonformität mit Schönheitsstandards sprechen. Unser Ziel ist es, Menschen aus verschiedenen Kulturen, unterschiedlichen Hintergründen und kreativen Neigungen willkommen zu heißen und dafür zu sorgen, dass sie sich wie zu Hause fühlen. Beschreibung USP Neben unserer aktuellen FW 2022 Kollektion, freuen wir uns, einen exklusiven Blick auf unsere kommende SS 2022 Kollektion werfen zu können. Diese ist inspiriert von unseren Grundwerten des freien Körpers, der Queerness, der Rohheit und der globalen Heimat und soll unsere Auffassung von Schönheit in unserer DNA repräsentieren. Darüber hinaus haben wir beschlossen, einige unserer konzeptionelleren Stücke zu präsentieren, die wir in der für bestimmte Veranstaltungen entworfen haben. Referenzbeispiele PDF - falls vorhanden Zwei unserer vergangenen Projekte. UY ZONE 005, 5 Jahre UY Studio zur Fashion Week Berlin 2019 und Kostümdesign & Kooperation von Richard Siegals "OVAL" am Staatsballett Berlin Medienreichweite Kategorie Offsite Show, Installation, Performance, etc. Konzeptbeschreibung Nach unserem Fokus auf Körper und Selbstbestimmung möchten wir unserer Leidenschaft für performative Kleidung in einem tieferen Sinne nachgehen und unser Publikum auf eine reflektierende Reise durch Bewegung und Kunst einladen. Während der Fashion Week wollen wir unser gesamtes Atelier für Besucher öffnen, um einen exklusiven Blick hinter die Kulissen zu ermöglichen und Mode, Kunst und Live-Performances zu zeigen. Die "zeitgenössische Ausstellung" in unserem Studio zielt darauf ab, unsere gegenwärtige Präsenz, die vom Zustand der unbekannten Zukunft beeinflusst wird, neu zu gestalten, indem wir unseren täglichen Designansatz in etwas Abstrakteres, Rohes, Bewegendes und Inszeniertes verwandeln. Etwas, das uns zu den Wurzeln von UY Studio zurückbringt - Mode, die dafür gemacht ist, sich selbst zu umarmen und die Performance einzugehen. Indem wir nicht nur unseren Showroom sondern das gesamte Studio öffnen, wollen wir den Besuchern die Möglichkeit geben, hinter die Kulissen zu blicken und in 4D zu erleben, wie wir unser Design mit anderen künstlerischen Sprachen wie Musik, Design, Architektur und Wohnkultur verbinden. Nachhaltigkeit / Innovation Wir entwerfen qualitativ hochwertige Produkte für den langfristigen Gebrauch mit sorgfältig ausgewählten Materialien und Techniken. Wir produzieren nur auf Grundlage der Nachfrage/Bestellung, was einen übermäßigen Verbrauch verhindert. Außerdem arbeiten wir nur mit transparenten und verantwortungsbewussten Partnern zusammen.100 % unserer Lieferungen kommen aus Europa, was den Ausstoß von Schadstoffemissionen und umweltschädlichen Faktoren begrenzt. Kostenstruktur Da wir tagtäglich mit vielen Künstlern zusammenarbeiten, möchten wir sie einladen, das zu präsentieren, was sie mit dem UY Studio verbindet, um eine fruchtbare Zukunft von performativer Kunst in Verbindung mit Mode zu fördern. Darüber hinaus präsentieren wir unsere bisherige und neue Kollektion für Spring Summer 2022, sowie einige konzeptionelle Stücke, wie sie bei unseren früheren Veranstaltungen gezeigt wurden. Unsere Hauptkosten würden hauptsächlich umfassen: Models & Performance-Künstler: 1000€ Fotografie-Ausstellung:1000€ Dokumentation der Veranstaltung (Video & Fotografie): 800€ Catering: 1000€ Bar: 500€ Verwaltung: 250€ DJ: 500€ Findet Event unabhängig von Finanzierung statt? Nein Datum des Events Mar 19, 2022

Greta Thaysen is the Office Director at LIGANOVA Berlin and is dedicated to sustainability and supporting environmental goals. She believes in the power of transformative thinking and expertise to set new standards in the fashion industry. Back GRETA THAYSEN 07/24 Greta Thaysen is the Office Director at LIGANOVA Berlin and is dedicated to sustainability and supporting environmental goals. She believes in the power of transformative thinking and expertise to set new standards in the fashion industry. How important is sustainability in fashion to you and how well do you think Berlin reflects this value? Fashion and its supply chain are the third largest polluting industries after food and construction. The fashion industry needs a radical overhaul — not just to move beyond outdated business models, but to actively shape the sustainable discourse of the future. Fashion is an integral part of our culture. Revising the fashion system will hold the potential to also rethink overall consumption habits. I appreciate the diverse and innovative landscape of sustainable approaches within the Berlin fashion scene. Spanning the entire spectrum of the industry’s challenges — from raw materials to inclusivity, ethical management, circularity and many more — the city offers a myriad of experimental and creative solutions to the industry's challenges. How would you describe the retail fashion landscape in Berlin? Berlin's retail fashion landscape is an equivalent of what the city stands for creatively: A diverse mix of avant-garde and innovative concepts, established addresses and plenty of new surprises. As there is still so much undefined, or newly to be defined space within the city, there is continuous space for innovation and experimentation. I hope to see some of those approaches become internationally successful, thereby helping Berlin build out its fashion footprint even more. In today’s digital era, how relevant are physical events for fashion brands? Physical events play a crucial role in fashion, acting as a catalyst for building community ties and showcasing the tactile allure of fashion. Even as digital platforms evolve, becoming more immersive, the impact of live, in-person experiences will always remain significant: Nothing beats a good party. From your perspective, what sets Berlin's fashion events apart from those in other cities, and how do they reflect the city's cultural identity? Berlin's fashion scene stands distinct from London, New York or Paris, celebrating its own style and authenticity. Known for its openness, creativity and diversity, Berlin embraces a certain unpretentiousness in its approach to fashion. The city offers a fertile ground for innovation, where the less institutionalized environment compared to other major European capitals fosters creative freedom, attracting both national and international attention. This spirit is also evident in Berlin's fashion events, often featuring boutique approaches, craftsmanship and laissez-faire attitudes, making it an exciting hub for trying new things. Previous Next

Der Store Event feiert nachträglich das 15jährige Bestehen der Mode- und Schmuckmarke Sabrina Dehoff und steht im Zeichen der ersten Kollektion aus dem Jahr 2006: Little Helpers. Geplant ist die Präsentation einer Re-Edition dieser Kollektion aus kleinen handgefertigten Lederanhängern in den typischen ikonographischen Formen des Labels: Bunnymask, Catmask, Dove, Ghost und einige mehr. Diese Modelle waren der erfolgreiche Beginn des Labels, die auf der ersten Messe in Paris weltweit verkauft wurden. Die Kollektion Little Helpers markierte die Einzigartigkeit und ikonographische Formensprache von Sabrina Dehoff. 15 Jahre später, ist die Philosophie und die Freude am Experimentieren, die Gleiche geblieben, die Kundi*nnen sollen sich am Schmuck von Sabrina Dehoff erfreuen und er soll Begleiter, Talisman und eben auch ein Little Helper sein. Der Relaunch wird begleitet von weiteren Schmuckklassikern, wie den Kordelarmbändern und Schmuck mit handbemalten farbigen Steinen – die auf großen Wunsch vieler Fans, in einer neuen Interpretation wieder aufgelegt werden. Das Event ist geplant als ein großes Get together von Kund*innen und Wegbegleitern wie Kooperationspartner*Innen, Presse, Fotografi*nnen und Kreativen. Der Event wird in dem beliebten Store in der Auguststraße ausgerichtet. In Kooperation mit Marsano werden üppige Blumengestecke im Innen- und Aussenbereich inszeniert. Der Aussenbereich wird durch eine regenfeste Überdachung geschützt. Das Konzept befindet sich hierfür in Arbeit. Das Blumenkonzept und das Catering soll farblich die Formensprache und das Schwarz / Weiß der Kollektion reflektieren. Für Besucher*in wird es zudem ein Schmuckstück als Geschenk geben eine vergoldete Silberkette mit Anhänger. < Back Sabrina Dehoff www.sabrinadehoff.com Beschreibung Label Beschreibung USP Referenzbeispiele PDF - falls vorhanden Medienreichweite Kategorie Store Event, Empfang, etc. Konzeptbeschreibung Der Store Event feiert nachträglich das 15jährige Bestehen der Mode- und Schmuckmarke Sabrina Dehoff und steht im Zeichen der ersten Kollektion aus dem Jahr 2006: Little Helpers. Geplant ist die Präsentation einer Re-Edition dieser Kollektion aus kleinen handgefertigten Lederanhängern in den typischen ikonographischen Formen des Labels: Bunnymask, Catmask, Dove, Ghost und einige mehr. Diese Modelle waren der erfolgreiche Beginn des Labels, die auf der ersten Messe in Paris weltweit verkauft wurden. Die Kollektion Little Helpers markierte die Einzigartigkeit und ikonographische Formensprache von Sabrina Dehoff. 15 Jahre später, ist die Philosophie und die Freude am Experimentieren, die Gleiche geblieben, die Kundi*nnen sollen sich am Schmuck von Sabrina Dehoff erfreuen und er soll Begleiter, Talisman und eben auch ein Little Helper sein. Der Relaunch wird begleitet von weiteren Schmuckklassikern, wie den Kordelarmbändern und Schmuck mit handbemalten farbigen Steinen – die auf großen Wunsch vieler Fans, in einer neuen Interpretation wieder aufgelegt werden. Das Event ist geplant als ein großes Get together von Kund*innen und Wegbegleitern wie Kooperationspartner*Innen, Presse, Fotografi*nnen und Kreativen. Der Event wird in dem beliebten Store in der Auguststraße ausgerichtet. In Kooperation mit Marsano werden üppige Blumengestecke im Innen- und Aussenbereich inszeniert. Der Aussenbereich wird durch eine regenfeste Überdachung geschützt. Das Konzept befindet sich hierfür in Arbeit. Das Blumenkonzept und das Catering soll farblich die Formensprache und das Schwarz / Weiß der Kollektion reflektieren. Für Besucher*in wird es zudem ein Schmuckstück als Geschenk geben eine vergoldete Silberkette mit Anhänger. Nachhaltigkeit / Innovation Jede Kollektion wird mit der Absicht entworfen, zeitlose, besondere Stücke zu schaffen, mit minimalem Abfall und minimalem CO2-Fußabdruck. Die Modelle zeichnen sich durch eine eigene Formensprache aus und oft steckt die Innovation im Design und der Verwendung von für Schmuck ungewöhnlichen Materialien und Techniken, wie bereits bei den Little Helpers. Wir produzieren nachhaltig und fair, überwiegend in Deutschland mit vertrauensvollen Partnern. Kostenstruktur Das Preisgeld soll für folgende Ausgaben verwendet werden. Die restlichen Kosten werden vom Label selbst getragen. Außenerweiterung: 800,00 € Blumendeko: 800,00 € 100 Goodies inkl. Verpackung und Tüte: 1800,00€ Catering: ( Getränke, Snacks, Gläser) 1500,00 € Servicemitarbeiter: 500,00 € Eventfotograf: 300,00 € Einladung: 500,00 € Findet Event unabhängig von Finanzierung statt? Nein Datum des Events

Manuel Almeida Vergara studied fashion journalism at the Akademie Mode & Design Berlin for his Bachelor's degree and cultural journalism at the Universität der Künste Berlin for his Master's degree. During this time, he worked as a trainee for the fashion section of the Tagesspiegel and from 2016 for four and a half years as an editor in the Panorama section of the Frankfurter Rundschau. Since 2021 he’s employed at the Berliner Zeitung, first as style editor, now as head of fashion and style department. He writes freelance for various Burda formats and for magazines such as Stilwerk. In addition, he‘s regularly active as a guest and presenter on panels for Premium, Goethe University Frankfurt am Main and Berlin Fashion Week. Back MANUEL ALMEIDA VERGARA 02/24 Manuel Almeida Vergara studied fashion journalism at the Akademie Mode & Design Berlin for his Bachelor's degree and cultural journalism at the Universität der Künste Berlin for his Master's degree. During this time, he worked as a trainee for the fashion section of the Tagesspiegel and from 2016 for four and a half years as an editor in the Panorama section of the Frankfurter Rundschau. Since 2021 he’s employed at the Berliner Zeitung, first as style editor, now as head of fashion and style department. He writes freelance for various Burda formats and for magazines such as Stilwerk. In addition, he‘s regularly active as a guest and presenter on panels for Premium, Goethe University Frankfurt am Main and Berlin Fashion Week. How has the Berlin fashion scene developed since you started writing about fashion and where is it heading? I would say that the fashion scene in Berlin has developed in very different ways. Some brands that started in the early 2000s and therefore shaped the scene early on, have professionalized. Lala Berlin, for example, or Kaviar Gauche. Other brands such as Perret Schaad or Achtland have had to give up. Therefore, I think it's always worthwhile to look at individual success stories and not just at the scene as a whole. This gives you a better feeling for the fact that in Berlin, as in any other city, success is just as possible as failure. Often the focus is on the latter stories, which leads to them being associated with Berlin as a location and that doesn't always have to be the case. With this in mind, it is also worth taking a closer look at brands such as Liebeskind, Trippen or Zalando: Because they are more part of the mainstream, they are often omitted from many contexts, yet they are also - extremely successful - parts of the Berlin fashion scene. It is also interesting that exciting new labels such as GmbH, Ottolinger and, most recently, Sia Arnika have emerged in the last years, which are also attracting a lot of international attention and are definitely associated with Berlin. Which Berlin designers or labels have particularly stood out in recent years? On the one hand, there are designers who have been working in Berlin for a long time, but who I still consider to be very progressive - not only in terms of the product, but also in the way they work and sell. William Fan, for example, who works explicitly with private customers. As well as Odély Teboul, who I would also like to highlight for her incredible craftsmanship. Anne Bernecker, who is still quite new in the scene, also has an interesting approach with unique hand-embroidered items that she sells to private customers. I think that‘s very modern: Thinking smaller, not chasing the big international success and acting naturally sustainable in this way. In my opinion, there is nothing less contemporary than the "bigger, further, faster" premises that have shaped - and to a large extent destroyed - the past decades of fashion. What are you most looking forward to at the next Berlin Fashion Week? As always, I am most looking forward to the exchange with other actors from the industry. For me, the Fashion Week is especially a good networking event. And of course there are many shows that I'm excited about. Whether those by William Fan or Odély Teboul with her brand Lou de Bètoly - both of which I think are great, as I mentioned earlier. Or Olivia Ballard and Sia Arnika, who have shown themselves to be very promising young talents in recent seasons. I'm also excited about Kitschy Couture by young designer Abarna Kugathasan particularly. What are your favorite spots in Berlin to shop/explore fashion? In Berlin as well, fashion happens on the street, so to speak. In great neighborhoods, such as Potsdamer Straße or Kantstraße, in trendy restaurants like Pars, Remi or Ryotei. Walking through the city with open eyes remains the most important discipline for me as a journalist. Looking on stores in particular, Andreas Murkudis continues to be a lonely leader for me. And: I will always love KaDeWe. Previous Next

Seit 1,5 Jahren kuratieren und produzieren Nella Beljan und Marie Wez in ihren Zora Auguste-Editionen das Beste aus internationaler, nachhaltiger Mode, zeitgenössischer Kunst, Kunsthandwerk und Design. Dies geschieht auf ihrer international erfolgreichen Onlineplattform @Zora_Auguste sowie zu ihren mehrfach im Jahr wechselnden Ausstellungen in der Zora Auguste Gallery & Shworoom in Berlin-Mitte. Mit dem Fokus auf Nachhaltigkeit, Fair Produce, Handwerk, Women lead and small Business schaffen sie den perfekten Raum für besonnenen Konsum und ethical business. Damit entwickeln sie sich bereits zu einer der weltweit führenden Instanzen im Bereich sustainable fashion and design. < Back Zora Auguste https://www.instagram.com/zora_auguste/?hl=de Beschreibung Label Zora Auguste hat eine Capsule Kollektion für ihre internationale Audience aus nachhaltigen hochwertigen Materialien entwickelt. Unisex, made to order, Zielgruppe 19-49+, sehr online affin, ein ästhetisch überdurchschnittlich gut geschultes Auge und politisches sowie ethisches Bewusstsein für die dringende Notwendigkeit nachhaltigen Konsums und von slow fashion. Beschreibung USP Zora Auguste zeigt auf ihrer Online Plattform als auch in ihrem physischen Space in Berlin-Mitte ihre Capsule Kollektion. Bereits während des Entwicklungsprozesses können sie über Social Media die Bedürfnisse ihrer Zielgruppe erfassen: Likes, Kommentare, Direct Messages mit Kaufanfragen usw. indizieren sehr genau, für welche Pieces es Bedarf gibt. Um Überproduktion zu 100% auszuschließen, bietet Zora Auguste bewusst ausschließlich made to Order pieces an. Referenzbeispiele PDF - falls vorhanden https://www.instagram.com/p/CQQl_16pY7E/?utm_medium=copy_link (2021) https://thespaces.com/the-spaces-selects-5-inspiring-creatives-to-follow-on-instagram-12/ (2021) https://ceecee.cc/zoras-daughter-x-auguste-vintage-pop-up-handverlesene-mode-accessoires-und-design/ (2019) https://www.thisisjanewayne.com/news/2020/06/30/short-news-mit-einem-neuen-lied-von-soko-dem-black-in-fashion-council-einem-kunstprojekt-von-baum-pferdgarten/ (2020) Medienreichweite Nella.Beljan 200.000 Follower Instagram, Reach 500.000 pro Woche; The Space 150.000 Follower Instagram, Cee Cee 80.000Abos Newsletter und 50.000 Follower Instagram Kategorie Offsite Show, Installation, Performance, etc. (Preisgeld €10.000 – 16.000) Konzeptbeschreibung Seit 1,5 Jahren kuratieren und produzieren Nella Beljan und Marie Wez in ihren Zora Auguste-Editionen das Beste aus internationaler, nachhaltiger Mode, zeitgenössischer Kunst, Kunsthandwerk und Design. Dies geschieht auf ihrer international erfolgreichen Onlineplattform @Zora_Auguste sowie zu ihren mehrfach im Jahr wechselnden Ausstellungen in der Zora Auguste Gallery & Shworoom in Berlin-Mitte. Mit dem Fokus auf Nachhaltigkeit, Fair Produce, Handwerk, Women lead and small Business schaffen sie den perfekten Raum für besonnenen Konsum und ethical business. Damit entwickeln sie sich bereits zu einer der weltweit führenden Instanzen im Bereich sustainable fashion and design. Nachhaltigkeit / Innovation Zora Auguste berücksichtigt ausschließlich nachhaltig hergestellte Mode & Objekte sowie Vintagemode & Interieur. Die neuen Produkte bestehen aus umweltfreundlich hergestellten Materialien, werden fair, per Hand & lokal gefertigt, mit transparenten Produktionsketten, langfristig & langlebig. Wenig, aber erlesen, diese Devise supportet Zora Auguste durch innovatives Marketing in einer international relevanten Social Kampagne via profundem Storytelling & Branding. Kostenstruktur Für die von Zora Auguste gelaunchte Capsule Collection benötigen wir Materialkosten für 6-12 Samples. Die Samples stellen wir selbst her, wenn wir das Preisgeld gewinnen, könnten wir eine höhrere Anzahl an pieces in der Capsule Kollektion verwirklichen und externe Schneider*innen miteinbeziehen. Wir präsentieren die Capsule Kollektion auf Hängern im Laden. Sollten wir die Förderung erhalten, hiren wir Modelle, die in einer Choreographie unsere Ladenfläche mit sehr großer Fensterfront auf einer Live Installation begehen, die wir auf Instagram als IGTV teilen. Auch dann würden wir mehrere Teile anfertigen, um sowohl auf der Stange als auch an Modellen gleichzeitig präsentieren zu können. Kosten für Materialien (2.000), Produktion (4.000) und Vorbereitung sowie Personal (2.000) Ladenmiete (2.800) = 10.800,- EUR (ohne Förderung) Kosten für Materialien (4000) , Produktion (7.000) und Vorbereitung sowie Personal (4.000) Ladenmiete (2.800) = 17.800,- EUR (mit Förderung) Finanzierung aus privaten Geldmitteln sowie aus den in den letzten 1,5 Jahren mit unseren Editionen erzielten Einnahmen. Das Datum für das Event sollte der 9.9.2021 sein, wir warten jedoch noch auf finale Bestätigung. Findet Event unabhängig von Finanzierung statt? Ja Datum des Events Sep 9, 2021

Zur kommenden Berlin Fashion Week im Rahmen von Studio2retail wollen wir eine live Performance eines Runways durch und vor der Boutique mit einem Podest organisieren. Dieser Walk wird von Diversity-Models in unseren Looks präsentiert, die die Vielfalt und extrovertierte Mode Berlins und das Konzept unserer Boutique widerspiegelt - damit zeigen wir Bodypositivity, frei von Alter, Form, Geschlecht und Modediktaten. Dafür steht RAU Berlin. Es werden 27 verschiedene Looks an 9 Models präsentiert. Unter unseren Models befinden sich KundInnen, ÄrztInnen, StudentInnen sowie RentnerInnen. Der Walk wird von einem Live DJ begleitet und von der Berliner Fotografin Carolin Saage (www.carolinsaage.com) fotografiert, deren ModeFotografien zeitgleich in der Boutique ausgestellt werden. Nach der Performance werden Getränke und Snacks vor und in der Boutique serviert. Als schönen kreativen Ausklang konnten wir den Berliner Saxophonist Roger Machon (www.rogermachon.com) für uns gewinnen, der uns bei der Beratung und Vorstellung weiterer Mode musikalisch begleitet. < Back RAU Berlin www.rauberlin.com Beschreibung Label Die Looks sind zeitlos und langlebig hochwertig und nachhaltig. RAU Berlin steht seit 2004 für faire Herstellung in Berlin und setzt sich bis heute mit guter Qualität und herausragenden klassischen Schnitten durch. Selbstverständlich steht für RAU Berlin die Herkunft und die Inhalte der Materialien im Vordergrund. Nach diesen Kriterien sucht die Designerin und Eigentümerin Martina Zepplin weltweit Marken die ihre Kollektion ergänzen, ihren Werten entsprechen und das Konzept abrunden. Beschreibung USP Der USP ist bei uns der Service, der alle Kundenwünsche berücksicht und auch Änderungen nach Wunsch und Bedarf ermöglicht. Da unser Atelier in Berlin Mitte ist, ist es kein Problem auf Materialvorgabe und besondere Körperformen einzugehen und diese umzusetzen. Als weiteres Beispiel haben unsere Kunden auf ihre RAU Berlin Lederhose Lebenslange Garantie. Sie kann jederzeit aufgefrischt, korrigiert, geengt oder notfalls sogar durch Austausch einzelner Partieen vergrössert werden. Referenzbeispiele PDF - falls vorhanden 10 Jahre RAU Berlin Boutique 16.6.2021 Vernissage 20.11.2021 Medienreichweite Instagram: 3000 Follower (@rauberlin) Kategorie Offsite Show, Installation, Performance, etc. Konzeptbeschreibung Zur kommenden Berlin Fashion Week im Rahmen von Studio2retail wollen wir eine live Performance eines Runways durch und vor der Boutique mit einem Podest organisieren. Dieser Walk wird von Diversity-Models in unseren Looks präsentiert, die die Vielfalt und extrovertierte Mode Berlins und das Konzept unserer Boutique widerspiegelt - damit zeigen wir Bodypositivity, frei von Alter, Form, Geschlecht und Modediktaten. Dafür steht RAU Berlin. Es werden 27 verschiedene Looks an 9 Models präsentiert. Unter unseren Models befinden sich KundInnen, ÄrztInnen, StudentInnen sowie RentnerInnen. Der Walk wird von einem Live DJ begleitet und von der Berliner Fotografin Carolin Saage (www.carolinsaage.com ) fotografiert, deren ModeFotografien zeitgleich in der Boutique ausgestellt werden. Nach der Performance werden Getränke und Snacks vor und in der Boutique serviert. Als schönen kreativen Ausklang konnten wir den Berliner Saxophonist Roger Machon (www.rogermachon.com ) für uns gewinnen, der uns bei der Beratung und Vorstellung weiterer Mode musikalisch begleitet. Nachhaltigkeit / Innovation Mit der Nachhaltigkeit unseres Ladenkonzeptes von natürlichen Materialien und der Herstellung in Berlin achten wir auf Einzigartigkeit und Qualität. Da wir unsere Mode nicht nur an Stereotypischen Modellen präsentieren sind wir so divers wie Berlin. Kostenstruktur -Werbekosten Flyer, Verteilung, Social Media und KundenNewsletter 2.000 Euro -Grafiker 300 Euro -Fotografin für die Live Performance 1.000 Euro -Models 500 Euro -Umbau Location 1.500 Euro -Live DJ 500 Euro -Musiker Live Saxophone 1.000 Euro -Musik Equipment (Boxen etc) 500 Euro -Dekoration 300 Euro -Getränke und Snacks 600 Euro -Servicekräfte 500 Euro -Reinigungskräfte 350 Euro _________________________ 9050 netto Findet Event unabhängig von Finanzierung statt? Ja Datum des Events Mar 19, 2022

Sie leitet die deutsche Ausgabe der Prestige-trächtigsten Modemagazine der Welt: die Vogue. Als Head of Editorial Content sorgt Kerstin Weng seit einem Jahr für frischen Wind: politischer, diverser und zeitgeistiger sind die gedruckte und digitale Ausgabe des Heftes geworden. Und sie hat noch weitere große Pläne, wie sie im Interview mit Studio2Retail verrät. Back FÜNF FRAGEN AN KERSTIN WENG Sie leitet die deutsche Ausgabe der Prestige-trächtigsten Modemagazine der Welt: die Vogue. Als Head of Editorial Content sorgt Kerstin Weng seit einem Jahr für frischen Wind: politischer, diverser und zeitgeistiger sind die gedruckte und digitale Ausgabe des Heftes geworden. Und sie hat noch weitere große Pläne, wie sie im Interview mit Studio2Retail verrät. Was macht die Berliner Fashion Week für dich so besonders? Der Standort Berlin ist wahnsinnig spannend, weil es die einzige deutsche Metropole ist, die auch international einen Reiz ausübt. Alle Leute finden Berlin cool, da tut sich etwas, sie ist in Bewegung und damit auch genau die Stadt, wo die Fashion Week hingehört. Wie wichtig sind für die Vogue Berliner Labels und deutsche Designer*innen? Für die deutsche Vogue sind deutsche Marken und deutsche Designer:innen essenziell. Das sieht man auch daran, dass die ehemalige Vogue-Chefredakteurin Christian Arp den Berliner Salon mitinitiiert hat. Wir möchten im Heft und digital deutsches Design explizit fördern: Während der Berlin Fashion Week werden wir ein digitales Special zur deutschen Mode im Allgemeinen veröffentlichen und mit der September-Ausgabe haben wir eine mehrseitige und regelmäßige Serie zu deutschem Design gestartet. Und natürlich arbeiten wir mit dem Fashion Council Germany zusammen, um deutschen Brands mehr Sichtbarkeit zu verleihen und Nachwuchs Designer*innen zu fördern. Welche Chance bietet die Berlin Fashion Week für Designer*innen und was muss sich noch verbessern? Ich freue mich, wenn deutsche Marken im Ausland ihre Kollektionen zeigen, aber ich freue mich auch, wenn deutsche Marken in Berlin bleiben, um den Standort Berlin zu stärken. Denn genau da haben wir noch Luft nach oben und einiges zu tun. Mein Traum wäre, dass viele deutsche Labels international erfolgreich sein können, ohne dass sie Deutschland verlassen müssen. Dazu braucht es Sichtbarkeit und den Support verschiedenster Stellen: eine staatliche sowie mediale Unterstützung und natürlich auch von den international bekannten Content Creator*innen. Bist du Team Concept Store oder gehst du direkt zu den Labels? Ich treffe mich, wenn ich in Berlin bin, gerne mit den Brands selbst. Ich freue mich zum Beispiel schon sehr auf meinen Besuch bei Malaikaraiss, mein Kollege Patrick war neulich erst bei William Fan im Store. Das soll nicht heißen, dass ich dem Konzept des Concept Stores widerspreche, aber das ist einfach meine persönliche Vorliebe. Warum ist das Konzept von Studio2Retail deiner Meinung nach so wichtig? Man verleiht so Marken eine größere Sichtbarkeit und man kann neue Labels, die man noch gar nicht auf dem Schirm hatte, kennenlernen. Die Bandbreite der Brands und die Art der Mode und der Konzepte dahinter ist sehr vielfältig. Außerdem ist es wichtig, dass Endkonsument*innen miteinbezogen werden: Fashion Week klingt oft nach Inner Circle und nach exklusiv statt inklusiv. Aber es ist wichtig, dass man die Leute, die in der Stadt leben und sind, mitnimmt – so macht man Mode zu einem Prio-Thema. Auch für die Stadt selbst. Previous Next

MOOT möchte als nachhaltiges Upcycling-Startup mit einem interaktiv gestalteten Showroom zum besonderen Erlebnis der Berlin Fashion Week beitragen. Über die komplette Woche des 14.-19. März wollen wir nachhaltige Upcycling-Mode erleb- und erklärbar machen. Dafür nutzen wir die Hälfte unserer 140 qm großen Verkaufsfläche als Showroom. Hier werden Besucher:innen crossmedial, interaktiv und spielerisch vom Problem Fast Fashion hin zur nachhaltigen Alternative Upcycling geleitet. Anhand von über zehn verschiedene Stationen wird Schritt für Schritt ein Überblick über die Thematik von zirkulärer Mode vermittelt. 250 kg Textilmüll zusammengepresst zu Ballen und fast deckenhoch aufgetürmt, Banner mit interaktiven Elementen zur Selbsteinschätzung sowie anschaulich aufbereitete Zahlen und Fakten zur Umweltsünde Fast Fashion – all das gehört zu den vielen visuellen Highlights des Showrooms. Ausstellungsbegleitend führen ein Audiguide, der auf dem eigenen mobilen Endgerät abgespielt werden kann, Videos sowie weitere crossmediale Elemente durch die Stationen und stellen eine synergetische Verknüpfung zwischen on- und offline her. Mit dem Showroom möchten wir die Reise von Upcycling-Produkten nachvollziehbarer machen und alle sozialen, ökologischen aber auch ökonomischen Aspekte spannend und zugänglich näherbringen. Uns ist es besonders wichtig, den Menschen und Umweltfaktoren hinter der Mode Raum zu geben. Wir möchten weg von überfüllten Stores und Sales in Endlosschleife hin zu bewusstem Konsum. Als “Decent Disruptor” brechen wir, dank eines sozialen und nachhaltigen Geschäftsmodells, einer Verkaufsfläche, die größtenteils zur Aufklärung dient und gebrauchten Textilien in massentauglichen Upcycling-Designs, mit dem Status Quo der Modebranche. Die Zukunft der Mode ist zirkulär. Der Upcycling-Showroom im Ostbahnhof Berlin wird von Montag bis Samstag zwischen 09:00 und 19:00 Uhr für Besucher:innen der Berlin Fashion Week zugänglich und mit geschultem Fachpersonal besetzt sein. Am Samstag findet als Abschluss-Event ein ausführlicher Vortrag von MOOT Co-Gründer und CEO Michael Pfeifer statt. < Back MOOT https://moot.eco Beschreibung Label Beschreibung USP Referenzbeispiele PDF - falls vorhanden Medienreichweite Kategorie Store Event, Empfang, etc. Konzeptbeschreibung MOOT möchte als nachhaltiges Upcycling-Startup mit einem interaktiv gestalteten Showroom zum besonderen Erlebnis der Berlin Fashion Week beitragen. Über die komplette Woche des 14.-19. März wollen wir nachhaltige Upcycling-Mode erleb- und erklärbar machen. Dafür nutzen wir die Hälfte unserer 140 qm großen Verkaufsfläche als Showroom. Hier werden Besucher:innen crossmedial, interaktiv und spielerisch vom Problem Fast Fashion hin zur nachhaltigen Alternative Upcycling geleitet. Anhand von über zehn verschiedene Stationen wird Schritt für Schritt ein Überblick über die Thematik von zirkulärer Mode vermittelt. 250 kg Textilmüll zusammengepresst zu Ballen und fast deckenhoch aufgetürmt, Banner mit interaktiven Elementen zur Selbsteinschätzung sowie anschaulich aufbereitete Zahlen und Fakten zur Umweltsünde Fast Fashion – all das gehört zu den vielen visuellen Highlights des Showrooms. Ausstellungsbegleitend führen ein Audiguide, der auf dem eigenen mobilen Endgerät abgespielt werden kann, Videos sowie weitere crossmediale Elemente durch die Stationen und stellen eine synergetische Verknüpfung zwischen on- und offline her. Mit dem Showroom möchten wir die Reise von Upcycling-Produkten nachvollziehbarer machen und alle sozialen, ökologischen aber auch ökonomischen Aspekte spannend und zugänglich näherbringen. Uns ist es besonders wichtig, den Menschen und Umweltfaktoren hinter der Mode Raum zu geben. Wir möchten weg von überfüllten Stores und Sales in Endlosschleife hin zu bewusstem Konsum. Als “Decent Disruptor” brechen wir, dank eines sozialen und nachhaltigen Geschäftsmodells, einer Verkaufsfläche, die größtenteils zur Aufklärung dient und gebrauchten Textilien in massentauglichen Upcycling-Designs, mit dem Status Quo der Modebranche. Die Zukunft der Mode ist zirkulär. Der Upcycling-Showroom im Ostbahnhof Berlin wird von Montag bis Samstag zwischen 09:00 und 19:00 Uhr für Besucher:innen der Berlin Fashion Week zugänglich und mit geschultem Fachpersonal besetzt sein. Am Samstag findet als Abschluss-Event ein ausführlicher Vortrag von MOOT Co-Gründer und CEO Michael Pfeifer statt. Nachhaltigkeit / Innovation Unser interaktives Showroom-Konzept dreht sich rund um das Thema Upcycling. Upcycling stellt die mit Abstand nachhaltigste Form der Bekleidungsherstellung dar, denn Upcycling-Bekleidung besteht nicht nur zu 100 % aus aussortierten Textilien sondern kann dadurch auch regional gesourced und produziert werden. Mit der direkten Verbindung von Verkauf und Aufklärung möchten wir nachhaltigen und ethisch vertretbaren Konsum fördern und in unserem Concept Store ein innovatives Retail-Konzept vorstellen. Kostenstruktur Die Gesamtkosten kalkulieren wir momentan auf rund 4.000 €. Diese schlüsseln sich in interne Aufwände, Personal- und Sachkosten auf. Insbesondere die Kosten für das Personal im Showroom und die Erarbeitung des Vortrags stellen einen erheblichen Kostenpunkt dar. Geplant ist, während der Öffnungszeiten von 09:00 bis 19:00 Uhr zwei Mitarbeitende für Führungen durch den Showroom bereit zu stellen. Kalkulation: Mo-Sa à 10 Stunden = 60h à 10,00 € Stundenlohn * 2 = 1.200,00 € Für die Erarbeitung und Präsentation des Vortrags fällt ein Honorar in Höhe von 1.000,00 € an. Außerdem planen wir mit Sachkosten in Höhe von ca. 1.800,00 € für die Content Erstellung des Showrooms, wozu die inhaltliche Erarbeitung, Website-Gestaltung und die Ausstattung mit Infografiken und Bannern gehört. Ohne eine finanzielle Förderung würde das vorgestellte Konzept nicht in diesem Maße umgesetzt werden und der Vortrag als Abschluss-Event nicht stattfinden. Findet Event unabhängig von Finanzierung statt? Nein Datum des Events Mar 19, 2022

Christiane Arp hat die deutsche Modebranche so geprägt wie kaum jemand anderes. Fast 20 Jahre als Chefredakteurin der deutschen Vogue liegen hinter ihr, jetzt gestaltet sie die Industrie aktiv als Vorstandsmitglied des Fashion Council Germany aktiv mit. Back CHRISTIANE ARP ABOUT STUDIO2RETAIL Christiane Arp hat die deutsche Modebranche so geprägt wie kaum jemand anderes. Fast 20 Jahre als Chefredakteurin der deutschen Vogue liegen hinter ihr, jetzt gestaltet sie die Industrie aktiv als Vorstandsmitglied des Fashion Council Germany aktiv mit. Was macht das Format von Studio2Retail so besonders und warum ist es wichtig, Modedesigner*innen aus dem eigenen Land oder der eigenen Stadt zu unterstützen und zu fordern? STUDIO2RETAIL ermöglicht in erster Linie die Sichtbarkeit von Designer:innen und stellt insbesondere neue Talente der Modeindustrie in den Vordergrund. Nachhaltigkeit und Innovation sind dabei die zwei Leitthemen, die die vielseitige Berliner Modebranche in dem Format vereinen. Das besondere an einem kuratierten Konzept wie STUDIO2RETAIL ist, dass wir die Möglichkeit haben, eine Bühne schaffen, die unterschiedliche Zielgruppen anspricht und somit lokale Designer:innen und Einzelhändler:innen unterstützt. Previous Next